Рисование – достаточно сложный навык. Вам нужно изучить такие вещи, как ручное мастерство, карандашные техники, точность, перспективу, жесты, анатомию, свет и тень... Но даже когда вы мастер во всем этом, даже если в своей работе вы используете все эти элементы, с ней все равно может быть что-то не так. Этот неуловимый фактор называется композицией.

Плохая композиция может разрушить впечатление даже от самого изысканного произведения искусства. Тем не менее, эта тема часто замалчивается на уроках рисования, учителя приводят лишь несколько примеров хороших и плохих композиций, оставляя большую часть композиционных решений на интуитивном уровне.

В этой статье применяется более практичный подход к композиции. Что это на самом деле? Из чего она сделана? И, самое главное, как вы можете убедиться, что ваша композиция получится удачной до того, как вы нарисуете первую линию, вместо того, чтобы увидеть ее после только после финальных штрихов? Продолжайте читать, и вы найдете ответы на все эти вопросы!

Что такое композиция и почему она так важна?

Если объяснять максимально просто, композиция — это расположение элементов, заставляющее нас видеть их как единое целое. Каждое произведение имеет определенную композицию. Вы создаете ее либо сознательно, либо случайно, но без композиции рисунок не создать.

В более практическом смысле композиция — это отношение между элементами картины. И это отношение, а не элементы, первое, что мы замечаем. В то же время композиция фактически невидима для нас. Она как скелет живого существа — костей мы не видим, но они помогают телу выглядеть таким, какое оно есть. Без скелета не было бы формы.

Да, это форма, которую мы видим, и если вы попытаетесь нарисовать только ее, вы получите что-то неестественное. Вы можете случайно создать форму, которая будет выглядеть правильно, но знание влияния скелета на тело увеличит ваши шансы на успех.

То же самое и с композицией. Вы можете попытаться угадать, как разместить элементы изображения и надеяться на лучшее, но вы также можете узнать, что делает произведение искусства красивым, и использовать это знание в своих интересах.

Хорошая композиция — это баланс. Слишком много так же плохо, как и слишком мало. Если ваш рисунок — это блюдо, то композиция — это приправа. Сколько бы времени вы не провели на кухне, неправильно использованные приправы могут испортить всю вашу работу. Но что значит «правильный»? И как "приправляет" рисунок?

Какие элементы композиции есть в рисунке?

Поскольку композиция — это отношение, в нее должно быть включено как минимум два элемента. Связь между ними может быть основана на многих факторах, это и делает данный вопрос таким сложным. Давайте рассмотрим каждый из факторов по порядку.

Обрамление и негативное пространство

Хотя композиция требует наличия как минимум двух элементов, вы не можете избежать ее создания даже при рисовании лишь одного элемента. Между этим одним элементом и рамкой всегда будет связь.

Под «рамкой» я подразумеваю не только богато украшенные рамы традиционных картин. Рамка – это граница произведения искусства. Даже если вас это совершенно не волнует, рамка создается краями вашего листа бумаги, или, если вы его фотографируете, кадрированием.

Другими словами, рамка — это граница между тем, что является частью произведения искусства, и тем, что не является. Эта граница становится частью композиции, как только вы что-то рисуете внутри нее — это мини-вселенная вашего изображения. Когда вы показываете свое искусство кому-то, его глаза смотрят на все содержимое рамки как на единое целое, независимо от того, где находится сам рисунок.

1—рисунок; 2—пространство

Вот мы и подошли к теме негативного пространства. На картинке мы видим не только то, что нарисовано, но и то, чего нет. Область между рисунком и рамкой не является «пустой». Мы видим ее, хотя она не была создана сознательно. И даже если мы проигнорируем эту часть, она все равно добавит смысл картине и повлияет на наше восприятие.

Позитивное пространство против негативного — когда вы создаете одно, другое создается автоматически.

Примеры

Здесь рисунок крошечный по сравнению с остальной частью произведения. Зритель увидит много пространства и персонажа. Собственно, пространство — звезда этой картины! Если вы это планировали, то в этой композиции нет ничего плохого — она показывает незначительность персонажа, что может быть полезно. Если такой расклад не входил в ваши планы, и вы задумывали сделать арт с персонажем в главной роли, то такая композиция станет ошибкой.

Здесь у нас обратная ситуация. Персонаж занимает почти все пространство, и в результате сам становится пространством. Персонаж здесь является произведением искусства, а не персонажем в произведении искусства. Вместо этого детали героя становятся персонажами.

Здесь персонаж выглядит так, будто пытается покинуть изображение. Зритель видит много пустого пространства и персонажа, не заинтересованного в собственном отображении. Хорошо это или плохо? Опять же, это вопрос вашего намерения.

Упражнение

Как сделать эти композиции более интересными? Подсказка: нет единого правильного решения для каждого.

Контраст

Композицию можно объяснить, показав сравнение между элементами изображения. Контраст является мерой различия между ними. Это очень важно, потому что мы видим все в сравнении — мы сравниваем белое пространство с темными линиями, чтобы увидеть рисунок.

Контраст делает все интереснее, потому что привлекает наше внимание. Он разделяет детали, заставляя нас смотреть на них по отдельности. Изображения ниже имеют одинаковое количество элементов, но картинка справа имеет более высокий контраст. Какая композиция кажется вам более интересной?

Высокая контрастность позволяет быстро находить элемент, что вызывает внезапный всплеск интереса. Низкая контрастность показывает вам то же самое медленнее, требует больших усилий, это и приводит к приглушенной реакции.

Когда вы смотрите на картинку, вы сравниваете различные характеристики элементов, чтобы визуально сгруппировать их для более быстрой реакции. Чем выше контраст, тем легче сделать такую группировку и тем приятнее она ощущается. Есть много характеристик, которые мы можем использовать для измерения контраста:

1. Размер (большой или маленький)

2. Форма (острая или тупая, продолговатая или круглая)

3. Затенение (темное против яркого)

4. Оттенок (красный против зеленого, синий против оранжевого)

5. Материалы (блестящие и матовые)

6. Тема (большой злой волк против младенца, натюрморт против движения)

Мы можем использовать все эти характеристики для создания контраста в нашей композиции. Однако здесь есть одна загвоздка. Чтобы успешно работать на вас, контрасту нужен баланс. Большое количество разных частей станет хаосом. Слишком одинаковые формы образуют порядок. Чтобы добиться естественного эффекта, нужно сбалансировать хаос и порядок.

1—chaos; 2—balance; 3—order

Контраст так силен, потому что он имеет эволюционное значение — он заставляет нас увидеть голову льва в море травы или один красный плод среди зеленых листьев. Он привлекает наше внимание к тому, что важно. И именно так вы должны использовать его в своей композиции.

Стиль чиби использует контраст между маленьким телом и огромной головой, чтобы персонаж выглядел мило, как ребенок.

Примеры

Каждый из этих объектов был бы скучным, если бы был помещен отдельно. Вместе они создают отношение, и это то, что мы видим — не два объекта, а ощущение масштаба.

Здесь теряется чувство масштаба. Слишком много контрастных фигур создают хаос, образуют беспорядочный узор, а не сцену.

Но хаос может стать отличным фоном для важного элемента, который мы хотим показать! Но только в том случае, если он достаточно отличается от хаоса.

Упражнение

Какие из этих композиций интересны, а какие нет? Почему?

Ритм

Мы часто говорим, что композиция — это расположение элементов, их положение относительно друг друга. Но есть ли правильные и неправильные расстановки? Не совсем так, но одно можно сказать точно — определенное распределение объектов имеет для нас значение.

Ритм — это визуальный короткий путь, который использует наш мозг. Если какие-то элементы следуют ритму, мы перестаем рассматривать их по очереди: ряд перил ограждения — это забор, «облако» листьев — это крона дерева и т. д. Но мы берем и более узкие темы, отделяем естественные объекты («какими они должны быть») от неестественных («какими их кто-то сделал»).

Ритм создает другой тип контраста. На этой картинке маленький цветок привлекает наше внимание не только тем, что он мал по сравнению с большими, но и тем, что нарушает ритм. Он превращает «ряд цветов» в «маленький цветок между большими».

Но дело не только в контрасте. Ритм заставляет нас увидеть то, что на самом деле не было нарисовано. Ряд камней означает, что кто-то положил их таким образом. «Облако» листьев на дереве означает, что они принадлежат одному и тому же растению. Элементы, движущиеся в одном направлении, означают, что ими движет одна и та же сила (будь то ветер или страх).

Это дает дополнительную информацию к изображению. И этот посыл не должен быть случайным, ведь он усиливает воздействие композиции на зрителя. Вы только посмотрите: простой рисунок на тему «плывущая рыба» можно превратить в «плывущую против течения», просто сбив ритм.

Примеры

Сломанный ритм разрушенного забора мгновенно привлекает наше внимание. Что случилось? Было ли это стадо бешеных коров или просто пьяный фермер на тракторе? История начинает разворачиваться от простого нарушения ритма.

В этой композиции все о порядке. Здесь есть контраст размеров, так что она интересна, но мы также видим здесь нечто большее: это на 100% сделано руками человека и контролируется. Все катится к хаосу, а тут кто-то останавливает эту тенденцию.

Вот аналогичная ситуация, когда деревья сажают люди. Композиция проста, но в этом предсказуемом ритме есть красота.

Упражнение

О чем говорят эти композиции?

Фокусные точки (точки интереса)

Ваш рисунок — это не просто набор случайных линий. Предполагается, что они что-то значат, но даже самое удивительное сообщение будет испорчено при неправильном прочтении, например, если начать знакомство с ним с конца.

Композицию используют, чтобы зритель увидел именно то, что хочет показать автор, чтобы зритель увидел все именно в том порядке, который был выбран для наиболее эффективного понимания сообщения. Если вы проигнорируете композицию, то у зрителя может сложиться совершенно неверное впечатление, и он разочаруется в произведении, прежде чем поймет его истинный смысл.

Когда мы смотрим на картинку, мы сначала ищем, на что обратить наше внимание. Порядок взгляда важен, ведь в природе даже миллисекунда, которую мы тратим на обзор может стать вопросом жизни и смерти. Мы хотим убедиться, что в первую очередь видим самые важные элементы.

Планируя композицию, нужно решить, что это за «наиболее важные элементы». Затем вы можете использовать контраст, чтобы выделить их, и ритм, чтобы создать путь, по которому зритель будет разглядывать их в определенном порядке.

Примеры

Давайте еще раз посмотрим на предыдущий пример. Все линии ведут нас к центру. Вы смотрите туда, прежде чем замечаете дорогу или деревья. Что бы вы туда ни положили, центр будет замечен в первую очередь.

Здесь определить фокусные точки немного сложнее, потому что все линии ритма находятся внутри тела животного. Ваши глаза скользят по нему, не останавливаясь. Это добавляет ощущение движения.

Здесь контраст заставляет вас сначала посмотреть на большую фигуру. Затем, ища полную информацию, вы направляете взгляд на точку, на которой сфокусирован главный герой.

Упражнение

Что вы замечаете в первую очередь, глядя на эти примеры? Как двигаются ваши глаза? Почему?

Как создать интересную композицию

Теперь вы знаете, что такое композиция и как найти в ней недостатки. Но это не поможет, если только на финальных этапах рисунка вы обнаружите, что пропустили слишком много негативного пространства или из-за ритма ваш пейзаж выглядит рукотворным. Вот почему вам нужно подумать о композиции прежде, чем вы нарисуете свою первую линию.

Но как вы можете это сделать, если вы еще не уверены, что вообще рисуете? Планы делают все жестким и скучным, а спонтанность никак не поддается планированию. Давайте посмотрим, как решить эту проблему.

Миниатюры рисунков

Вам не нужно создавать готовый рисунок, чтобы оценить его композицию. Обратите внимание, что детализация не была упомянута в теоретической части. Это потому, что она не имеют значения в композиции. Она рассматриваются последней в картине, спустя достаточный промежуток времени после того, как мы окончательно осознаем,что перед нами представлено.

Вот почему вам не нужно заканчивать рисунок, чтобы увидеть, какое впечатление он производит. Вам просто нужно увидеть рамку, контраст, ритм и точки фокусировки. И это то, что вы можете довольно быстро набросать, чтобы понять, как элементы работают вместе!

Мы называем этот метод рисованием миниатюр. Миниатюра — это уменьшенная версия изображения, которую вы часто видите перед тем, как открыть исходник. Вы не можете разглядеть никаких деталей на миниатюре, но вы видите все, что наиболее важно для изображения.

Изображение из How to Create a Cute Baby Dragon Photo Manipulation in Adobe Photoshop

Чтобы создать миниатюры, сначала нарисуйте набор рамок, которые являются миниатюрными версиями вашей предполагаемой работы (например, маленькие прямоугольники с пропорциями вашего листа бумаги). Затем сделайте набросок общей версии вашего рисунка. Простые формы, простые силуэты, простые тени — это все, что вам нужно, чтобы увидеть, работает ли композиция так, как вы хотели. Тут вы можете свободно экспериментировать, не теряя много времени.

Эскизы-миниатюры не обязательно должны быть чистыми, поэтому не тратьте на них слишком много времени; просто набросайте свою идею и оцените ее позже.

«Призрак композиции»

При рисовании в большом формате сложно соблюдать правильные пропорции и расстояния. Чтобы убедиться, что вы создаете свою композицию так, как задумали, сначала нарисуйте только ее основные элементы.

Делается это так: посмотрите на лист бумаги и решите, где будет внешняя граница рисунка. Нарисуйте ее очень легко. Затем нарисуйте очертания элементов внутри нее, все еще наброском. У вас должен получиться «призрачный» рисунок — что-то настолько тонкое, почти невидимое, но этого должно быть достаточно, чтобы увидеть, правильно ли настроена ваша композиция.

Эти линии не обязательно должны иметь какое-либо отношение к анатомии — все дело в общих формах, которые вы увидите первым, когда изображение будет готово.

Правило третей

Вы, наверное, уже слышали об этом правиле, но я не могу обойти его в статье о композиции. Есть много закономерностей, которые вы можете использовать в этой теме, но я думаю, что правило третей является самым простым и универсальным из них.

Чтобы воспользоваться правилом, разделите (физически или мысленно) изображение на три части по горизонтали и три части по вертикали. Точки пересечения линий, как правило, являются естественными фокусами для наших глаз. Поместите туда самые важные элементы — части, на которые вы хотите, чтобы люди обращали внимание в первую очередь.

Еще лучше, если элементы находятся рядом с точками, а не точно в них. Щепотка непредсказуемости делает изображение более интересным.

Это правило также говорит нам, каких композиций следует избегать. Например, использование «правила половинок» интуитивно понятно, но его композиции в лучшем случае неинтересны, а в худшем визуально запутаны.

Эту же композицию можно легко улучшить, просто немного сдвинув точки фокуса в сторону/вверх/вниз.

На обложках книг часто используется правило третей.

Присвоение веса элементам изображения

На композицию влияет множество факторов. Как вы можете управлять всеми ими? Вам могут помочь метафорические весы.

В композиции есть три основных типа веса: негативное пространство, позитивное пространство и фокусы. Позитивное пространство — это сам рисунок. Негативное пространство — это область за пределами рисунка (это не обязательно должно быть пустое пространство — это может быть просто небо). Фокусные точки — это те части, на которые вы хотите, чтобы люди смотрели.

На балансе этих весов строится интересная композиция. Этот баланс также имеет множество оттенков, все они основаны на элементах контраста. В «линейном» рисовании вы в основном заботитесь о размере. Если вы используете тени, растушевка будет иметь еще большее значение.

Давайте посмотрим, работать с этими величинами. Здесь у нас есть один элемент, помещенный в фокусную точку, описываемую правилом третей. Композиция несбалансирована, потому что здесь всего лишь один крошечный элемент на фоне огромного пустого пространства. Позитивное пространство и фокус одинаковы.

Добавление еще одного подобного элемента в любую из других фокусных точек не решит ситуацию, потому что это лишь запрет зрителя внутри центральной области, описываемой фокусными точками, создастся скучная центральная композиция.

Чтобы сбалансировать негативное пространство, лучше сделать его немного менее негативным. Разделите негативное и позитивное пространство где-нибудь рядом с фокусными точками правила третей.

Когда позитивное пространство перевешивает негативное пространство, негативное пространство может стать фокусной точкой.

Любой элемент контраста можно использовать для балансировки композиции. На самом деле, баланс заключается в достижении должного контраста. Поэтому, чтобы сделать его более интуитивным, подумайте о низкой контрастности для фона и добавьте что-то контрастное, чтобы сделать композицию завершенной.

Здесь баланс создается за счет нарушения ритма.

Перспектива

Композиция — это отношение элементов, но есть один элемент, который находится за кадром — это зритель. Если вы включите его в свою композицию, вы достигнете другого, более глубокого уровня отношений.

Когда зритель смотрит на изображение, он может увидеть себя там — ему просто нужны подсказки от вас, чтобы определить свою позицию. Перспектива может помочь вам в этом. Хитрость заключается в том, чтобы разместить что-то близко к «камере», чтобы подчеркнуть его позицию.

Чем что-то ближе к нам, тем оно больше. Так что, если в вашей композиции есть огромная версия чего-то обычно нормального размера, это означает, что оно находится близко к зрителю. Все остальное расположено вдалеке от него, это создает ощущение глубины.

Перспектива также может улучшить композицию, если вы включите какой-либо индикатор масштаба. Самый четкий из них — силуэт человека, но вы также можете использовать для этой цели животных или деревья. Если вы сделаете это правильно, масштаб станет еще одним элементом вашей композиции.

Использование зеркала

Даже когда вы знаете все о композиции, легко потерять ее смысл после нескольких часов работы над одним и тем же изображением. Вы просто смотреть на него как на «что-то, что я видел раньше», и вы не получаете первое впечатление, как зритель.

Чтобы вернуть свежий взгляд, вам нужно время от времени менять точку зрения, чтобы заставить свой мозг перестраиваться. В цифровом искусстве самый простой способ — перевернуть изображение по горизонтали. В традиционном искусстве лист бумаги можно вращать или использовать зеркало. Делайте это часто, чтобы ваш взгляд не замыливался.

Перевернутое изображение становится новой композицией для вашего мозга.

Обрезка изображения

После того, как вы закончите рисунок, если что-то по-прежнему кажется вам неправильным, вы можете сделать еще одно действие. Изменяя рамку — ее размер или пропорции — вы можете перенастроить точки фокусировки и значительно улучшить композицию.

В цифровом искусстве вы всегда можете использовать инструмент кадрирования. В традиционном искусстве вы можете либо использовать канцелярский нож, либо сделать правильную обрезку при фотографировании произведения искусства, либо использовать рамку, которая добавит пустое пространство, закрывая те части, которые вы не хотите показывать.

Одно и то же изображение может иметь разное значение в зависимости от используемого кадрирования.

Расширение вашей интуиции

Теория теорией, но в конце концов все эти знания должны стать частью вашей интуиции — тем, что вы можете использовать, не задумываясь. Чтобы расширить свою интуицию, добавьте еще один шаг к оценке арта. Попытайтесь понять, почему он выглядит хорошо, найдите элементы композиции и попытайтесь угадать, какое решение принял художник при создании изображения.

Интуицию также можно расширить, просто познакомившись с хорошим искусством. Таким образом, вы будете сравнивать свои композиции со всеми теми, что видели, даже не осознавая, что делаете это. Однако лучше всего сочетать интуицию со знаниями.

Вывод

Объяснив вам всю тему, хочу добавить самое главное: в искусстве правил нет. Нам нравятся определенные образы, определенные композиции, и мы не всегда знаем, почему. Художники пытаются создать некоторые эмпирические правила, которые будут полезны в большинстве случаев, но, в конце концов, вы можете нарисовать фантастическое произведение искусства, просто нарушив их все.

Вы можете использовать правила композиции, чтобы выяснить, что не так с вашим изображением, но они не скажут вам, как именно это исправить. Экспериментируйте, держите ухо востро и творите сердцем. Не бойтесь совершать ошибки — на них тоже можно учиться!

2023-05-29

Череп в стиле Пикассо 👏👏👏