Iga Oliwiak — фриланс-иллюстратор. Одна из художников анимационного фильма Loving Vincent, получившего несколько номинаций на Оскар.

В свободное время изучает культуру Африки и Океании
| Artstation |

В этом пошаговом руководстве я расскажу, как создавалась иллюстрация, полностью основанная на контрастах. Контраст культур, контраст цветов кожи, контраст светлого и темного, узорчатого и однотонного. Я покажу, как сохранить ощущение целостности в работе, как не запутаться в разнообразии акцентов и деталей. Расскажу, как я мыслю при создании подобных иллюстраций и как решаю задачи с цветом и тоном ткани и кожи.

1. Грубый скетч
Я не хотела, чтобы этот урок просто рассказывал о создании какой-то рандомной иллюстрации (хотя, кажется, в итоге так и вышло), поэтому в этой работе я постаралась поисследовать несколько сложных тем. В первую очередь, я хочу сфокусироваться на изучении цвета кожи. Поэтому я решила изобразить двух персонажей: одного с темной кожей, другого — с очень светлой. Я начинаю набрасывать примерные идеи для композиции, обращая особое внимание на тоновые взаимоотношения. Мне понравилась эта идея на эскизе, ее я и решила развивать дальше.
Я хочу, чтобы два персонажа выглядели как единое целое, как одно живое существо. Они стоят вплотную друг к другу, сцепив руки, их волосы переплетаются. Я хочу добавить динамики в композицию, поэтому фигуры персонажей изгибаются в форме условной буквы S. На рисунке ниже она обозначена оранжевым.

Грубый скетч, чтобы определиться с композицией

2. Теплый подмалевок

Обычно я рисую сразу в цвете. Но если я начинаю с черно-белого эскиза, то всегда стараюсь уйти от серых оттенков как можно быстрее. Я добавляю сверху слой в режиме Color с заливкой оранжевым или сепией. Также я перекрашиваю скетч в коричневые оттенки через Hue\Saturation (Ctrl+U) и перевожу слой со скетчем в режим наложения Multiply. Все это нужно для того, чтобы создать эффект теплого подмалевка, который обычно применяется при рисовании маслом. Теплый оранжевый будет проглядывать сквозь верхние слои рисунка, добавляя разнообразие оттенков. При этом получающийся цвет будет чище. Если бы я красила сразу поверх черно-белого, то цвета могли бы получиться грязными и сероватыми.

Теплый подмалевок позволяет избавиться от грязи в дальнейшем рисовании

3. Имя и история

Время дать персонажам имена. Я решила, что левую девушку будут звать Aniela — это польское имя, происходящее от слова anioł — «ангел». Правую девушку я назвала африканским именем Xolani, что означает «быть в мире с самим собой». Наличие у персонажа имени усиливает связь между художником и персонажем, превращая его в нечто большее, чем рисование абстрактных обезличенных моделей. «Говорящее» имя в любом из видов искусств часто является выражением личности героя, оно помогает зрителю ярче выделить характер персонажа. Художнику же поиск подходящего имени помогает лучше разобраться в теме, которую он изображает, особенно на поздних этапах работы, когда нужно добавить раскрывающих персонажа деталей. Для меня это в принципе отдельная интересная задача, ведь в мире столько нетипичных и неизвестных имен, звучащих мистически и сказочно.

4. Определяем основной цвет кожи

Теперь я начинаю разбираться с основным тоном кожи. Тон будет зависеть от того, какое освещение вы хотите видеть на иллюстрации. Если у вас есть подходящий референс, то можно сразу начинать с оттенков, подходящих к освещению. А можно сначала набросать собственный цвет кожи, и затем добавить сторонние оттенки от освещения. В моем случае я точно знаю, что в моей иллюстрации будет холодный свет сверху и теплый задний свет. Поэтому я сразу добавляю легкие пурпурно-фиолетовые акценты на кожу обеим девушкам.

Базовый цвет кожи

5. Добавляем больше цветов

На этом этапе я начинаю играться с цветами в целом, добавляю одежду и меняю оттенок фона. Мой подход в большей степени интуитивный. Это далеко не финальное цветовое решение, скорее просто отправная точка для дальнейших экспериментов. На поздних этапах я изменю очень многое, поэтому сейчас кладу мазки грубо и не особо забочусь об аккуратности.

Добавляем больше цвета

6. Рисуем поверх

Я дошла до точки, в которой мне пора избавиться от лайнарта и начать рисовать поверх скетча. Я всегда делаю оверпейнт вместо того, чтобы просто удалить слой со скетчем, потому что скетч все еще содержит в себе много деталей и темных тонов, которые мне хотелось бы сохранить. Мне проще закрасить поверх ненужные части и немного подтереть ластиком лишнее.

Начинаю рисовать поверх скетча

7. Добавляем круг на фон

Добавить на фон светлый круг оказалось очень хорошим решением, сильно улучшившим композицию. Несмотря на наличие контрастного заднего света, персонажи смотрелись недостаточно отделенными от фона, а осветлять весь фон целиком мне не хотелось. Яркий круг добавил необходимый контраст и направил фокус на головы персонажей. Чтобы подчеркнуть этот эффект, я затемнила весь остальной фон. Круг на фоне придал иллюстрации дополнительный мистический, даже в некотором роде религиозный оттенок.

Круг на фоне ведет внимание в точку интереса

8. Не бойтесь добавлять детали на любом из этапов

Дальше начинается долгий процесс добавления деталей и рендеринга. Главное изменение, которое вы наверное сразу заметили, это то, что я одела Aniela в национальную одежду. Это добавляет еще больше контраста в историю. Я решила использовать традиционный польский костюм, тем более, что как раз недавно я посетила один из горных районов Польши, из которых этот костюм родом.

Традиционная одежда подчеркивает различия между персонажами

9. Создаем узор на платье

Я ориентировалась на традиционные кенийские орнаменты. Изучая референсы, я обратила внимание, что во многих из них встречаются мотивы из повторяющихся ромбов. Мне не хотелось использовать уже существующие узоры, поэтому я создала собственный. Я нарисовала небольшой повторяющийся участок из ромбов и полос и размножила его до необходимого размера.

Простой способ создавать повторяющиеся узоры — расклонировать небольшой кусочек

10. Подгоняем узор с помощью Puppet Warp

Натянуть плоский текстурный узор на ткань — непростая задача, особенно если на одежде присутствует много хитро расположенных складок. Про это можно было бы написать отдельный туториал. Постараюсь отметить основные моменты.
Чтобы подогнать паттерн под основную форму платья я использую Warp (Edit>Transform>Warp), для более мелких складок — Puppet Warp (Edit>Puppet Warp).
Важно: перед применением Puppet Warp необходимо убедиться, что в паттерне нет прозрачных участков. Иначе марионеточная трансформация будет работать с каждым из участков паттерна отдельно, что в нашем случае усложнит задачу. Пример вы видите на картинке ниже.

Слева пример работы Puppet Warp с паттерном с прозрачными участками, справа - непрозрачный паттерн

11. Используем слои наложения для дальнейшей подгонки узора

После того, как я определилась с расположением складок, я подгоняю цвета узора так, чтобы он максимально естественно смотрелся на ткани. Советую попробовать разные режимы наложения, чтобы найти, какой из них будет лучше подходить в каждом конкретном случае. Я использовала Multiply, но мне пришлось очень сильно выкручивать яркость и контрастность (Hue\Saturation), чтобы узор не получился слишком темным. При этом я все равно потеряла все светлые участки, поэтому я буду их восстанавливать отдельно.
Я использую инструмент Magic Wand, чтобы выделить нужные участки. Затем я копирую их на новый слой (используйте Ctrl+J для быстрого создания нового слоя из выделения), меняю его режим наложения обратно на Normal и вручную прорисовываю нужные оттенки. Помните о тоне — пятна на одежде не должны сильно выделяться. Если платье находится в тени, то все цвета узора должны находиться примерно в том же тоновом диапазоне.

1 — без режимов наложения, 2 — узор, переведенный в Multiply, 3 — дорисовка светлых частей поверх

12. Финал

Иллюстрация завершена. На этом этапе часто задаешься вопросом — как понять, что картинка готова и пора остановиться? Теоретически, я могла бы потратить еще несколько часов на полировку и доведение до совершенства каждой крохотной детальки. Но так ли это нужно? Мне нравится оставлять мазки кисти заметными. Но если вы видите, что что-то в работе выбивается из общей картины, то приложите все усилия, чтобы это поправить. Спрашивайте совета у друзей, постите работу в группы в соцсетях, используйте шанс получить обратную связь и научиться чему-то у других.

Финал!

Совет 1: Кое-что про цвет кожи

Если вы посмотрите на картинку ниже, то заметите, что цвета, которые я использовала для рисования кожи у обеих девушек практически одинаковые. Разница только в тоне и насыщенности.
Если вы хотите изобразить естественно и реалистично выглядящую кожу, используйте несколько разных оттенков, не только условные «телесные» цвета. При этом следите, чтобы общий тон этих оттенков был примерно одинаковым. Обратите внимание на картинку с примером еще раз — при выборе цвета я передвигаю только правый ползунок с непосредственно цветом, но при этом не двигаюсь по квадрату вверх и вниз, в сторону изменения тона.
Старайтесь выбирать ненасыщенные цвета (из левой половины квадрата). Если цвета будут перенасыщенными, то все эти синие и красные оттенки будут слишком заметными и кожа начнет выглядеть ненатурально.

Одинаковый тон и насыщенность, разные оттенки

Совет 2: Изучаем тон кожи

Цвет объекта всегда взаимодействует со светом, падающим на него. Одни и те же материалы ведут себя по-разному в зависимости от освещения. Поделайте стадики с различных фотографий и картин, чтобы более комфортно чувствовать себя при рисовании. Постарайтесь найти и изучить как можно больше различных вариаций цветов кожи и освещения.

Одна и та же кожа выглядит по-разному в зависимости от освещения

Совет 3: Тон

Тон важнее цвета. Если вы напутали с тоном, то никакие прекрасно подобранные цвета не спасут вашу работу. Я настоятельно советую почаще переводить картинку в черно-белую, чтобы проверить тон, не отвлекаясь на цвета и насыщенность. Старайтесь группировать тона в большие пятна, особенно в участках с обильной детализацией. Постарайтесь свести основные тона к нескольким крупным простым формам, это улучшит читаемость изображения и сыграет на пользу всей композиции.

Надеюсь, вам понравилась получившаяся иллюстрация, и сам туториал был хоть немного полезен.

Хотите покорять тренды Artstation? Приходите к нам на курсы CG LAB, мы научим делать круто!

Вы научитесь работать в техниках Matte Painting и 3D, освоите игровую графику для мобильных игр и прокачаете свои знания по анатомии. На протяжении нескольких месяцев вы будете получать профессиональный фидбек от преподавателей!
И, разумеется, вы пополните свое портфолио новыми достойными работами.
Также подписывайтесь на наш обучающий паблик — здесь много уроков, статей и движухи.

Спасибо за внимание!

Перевод подготовила Мария Попова специально для школы CG LAB. (Оригинал статьи)

Другие статьи:

Костюм персонажа

Начало пути: как рисовать эмоции

Гайд по созданию цветовых схем