Как с помощью цвета сделать однотонную поверхность интересной
Как источник света влияет на палитру картины? И можно ли покрасить предмет фиолетовым, но чтобы он при этом оставался зелёным? Отвечаем на эти и другие вопросы.
Статья — пересказ этого видео.
У себя на YouTube-канале художник-иллюстратор Марко Буччи рассказал, как использовать цветовые вариации на однотонных предметах, чтобы они смотрелись не уныло, а живописно.
Долой однотонность!
Для начала давайте освежим в памяти некоторые работы американского художника Ричарда Шмидта, известного своими выразительными цветами:
И к отдельным фрагментам присмотримся поближе:
Здесь хорошо видно, что Шмидт, вместо того, чтобы покрасить стену дома в один цвет, добавляет к нему несколько других. Если их все отследить, то становится понятно, что для этой стены художник подобрал целую палитру:
И с этим домом поступил точно так же:
Конечно, в реальности стены домов красят в какой-то один цвет. Но Шмидт сознательно искажает реальность, добавляя к этому цвету множество вариаций. Зачем он это делает?
Как поясняет Марко Буччи, таким образом художник хочет привнести в картину ощущение жизни. А она в искусстве практически всегда равняется разнообразию. Поэтому однообразно покрашенная стена дома никак не может фонтанировать жизнью. Она будет выглядеть как-то так:
Чтобы это исправить, и требуются цветовые вариации. Добавление других цветов, взаимодействующих друг с другом, выводит картину на новый уровень живописности.
Серое «перемирие»
Марко поясняет, что сначала художник начинает с какого-то одного цвета. Например, эта женщина изначально была одета в однотонную кофту:
Но потом Шмидт начал добавлять к основному цвету другие. Главное правило здесь — добавлять цвета с одинаковым уровнем яркости и следить, чтобы все края были мягкими. Если добавочные оттенки будут слишком контрастными, а края — жёсткими, вы получите совсем не тот эффект, на который рассчитывали:
Кроме того, изначальный цветовой тон должен доминировать в полученной палитре, чтобы зритель, если его спросят, всегда мог сказать, какого же всё-таки цвета эта кофта.
Давайте посмотрим, какие именно цвета добавляет Шмидт. Может, он выбирает те, которые поближе к изначальному тону? Ничего подобного! Основной цвет у него желтовато-зелёный, а добавляет он к нему оттенок фиолетового. В цветовом круге эти цвета очень далеки друг от друга.
В предыдущем уроке Марко Буччи объяснил, как примирить в одной картине самые разные цвета, снизив их насыщенность путём добавления серого. Эта теория работает и в случае с цветовыми вариациями. Ведь если свести к нулю насыщенность таких разных цветов как жёлто-зелёный и фиолетовый, мы получим один и тот же цвет — серый:
Посредством серого эти цвета могут плавно перетекать друг в друга. Чтобы убедиться в этом, достаточно перевернуть и соединить наши цветовые квадраты. Очевидно, что при посредничестве серого мы можем примирить все оттенки, какие захотим:
Как правильно подбирать вариации?
Но как именно нужно выбирать дополнительные цвета, чтобы они смотрелись на однотонной стене или кофте организованно, а вся созданная палитра не распадалась на части?
В конечном счёте это зависит от личного вкуса художника. Вкус — вещь очень субъективная, индивидуальная, не признающая правил. Но прежде, чем отдаться на волю собственного вкуса, нужно убедиться, что ваши цветовые вариации отвечают двум критериям.
Во-первых, убедитесь, что они находятся в соответствии со схемой яркостей, которую вы разработали для картины. То, что мы вносим какие-то дополнительные цвета, совершенно не значит, что мы можем как угодно менять яркость нашей стены или кофты.
Если мы посмотрим на картину Шмидта в чёрно-белом варианте, то станет видно, что добавление новых цветов на стену дома не изменило уровень её яркости:
Во-вторых, учитывайте источники света. Они, как мы помним, могут быть самые разные:
Источник света — это отправная точка, от которой нужно отталкиваться при подборе цветовых вариаций. Например, если картина освещена закатным солнцем, то построение цветовой схемы следует начать с оранжевого:
Затем можно приступить к исследованию соседних цветов:
После этого уже можно поэкспериментировать с насыщенностью, сдвинуться ближе к серому — и перейти на другую сторону круга:
Мы вышли к серо-голубым оттенкам. Сами по себе они чересчур прохладные для закатного освещения, но поскольку мы связали их с изначальным оранжевым, то эти цвета могут сработать как эффектные акценты. Однако не спешите повышать насыщенность синих тонов, иначе вы рискуете получить цветовую какофонию:
Теперь возьмём другое освещение — неяркий дневной свет. Он даёт нам более нейтральную точку для старта, поближе к серому центру. Отсюда мы можем двигаться сразу по нескольким направлениям, но чересчур увлекаться повышением насыщенности всё равно не стоит.
Давайте проверим наши умозаключения на практике. Возьмём, к примеру, закатный пейзаж китайского художника Жаоминга Ву. Чтобы передать закат, художник подбирает очень насыщенные красно-оранжевые цвета, которые мы видим на переднем плане:
Потом он сдвигается в своих поисках ближе к серому центру, и использует полученные вариации, чтобы раскрасить объекты на среднем плане. Наконец, Ву максимально снижает насыщенность, чтобы найти подходящие цвета для заднего плана:
Но лучи заката падают не на все объекты на картине — те, что остались в тени, освещены рассеянным светом окружающей среды. Чтобы подобрать для них правильные оттенки, художник проделывает похожую операцию, только уже на другой стороне цветового круга:
Марко акцентирует внимание на том, что художник, который ищет цветовые вариации для картины, не должен бояться экспериментировать! Если вы соблюдаете уровень яркости и не забываете, какой у вас источник света, самый безумный эксперимент может дать прекрасный результат. Иногда вам и в голову не придёт, что какой-то оттенок действительно подходящий, пока вы не увидите его непосредственно на листе!
Красим вещи в безумные цвета
Давайте попробуем повторить фрагмент вот этой работы Шмидта, чтобы разобраться, как здесь устроены цвета:
Сначала нужно определиться с яркостью разных участков картины, то есть построить яркостную схему. О цвете мы на этом этапе не думаем:
Освещение на этой картине — дневной свет в пасмурный день. С учетом этого художник пробует нанести на стену здания разные цвета. Это и холодные оттенки, и оранжевые или розоватые вариации:
По словам Марко Буччи, на этой стадии художник ещё не знает, какие цвета будет использовать — он пробует разные оттенки, чтобы поэкспериментировать и посмотреть, насколько они подходят. Это что-то вроде прослушивания для цветов-претендентов. Пока мы сохраняем выбранный уровень яркости, какой бы цвет мы не пробовали, он не разрушит общую структуру.
Для освещенных участков художник предпочёл взять прохладные цвета. Но когда он будет рисовать тени, настанет черед и тёплых тонов. Марко признаётся, что любит Шмидта за то, что он привносит в тени тёплые оттенки высокого уровня насыщенности. На свету у него можно встретить довольно насыщенный синий, а в тени — до такой же степени насыщенный красный. В результате они прочитываются как акценты.
В определённый момент Шмидту становится всё равно, какого цвета на самом деле предмет. Он раскрашивает его уже из соображений не столько жизнеподобия, сколько цветового замысла, который он реализует. На белых стенах и тёмно-коричневых дверях вдруг появляются красные и синие пятна. Это именно та свобода эксперимента, о которой мы говорили.
На завершающем этапе художник приводит получившуюся цветовую схему к единообразию, избавляясь от ряда цветов, с которыми он экспериментировал в начале, или просто делая слишком пестрые участки более однотонными. Заниматься этим можно бесконечно, поэтому нужно уметь себя остановить, когда все участки полотна более-менее вписаны в общую цветовую схему.
«Знаете, я смотрел на палитры хороших художников и думал: боже, какой бардак! Но теперь я знаю: то, что мы на самом деле здесь видим — это карта, на которую нанесены цветовые вариации. Но для меня эти карты не выглядят слишком техническими или устрашающими — они выглядят забавно! Я часто смотрю на палитру художника как на доказательство, что ему было действительно весело, когда он смешивал краски».
Марко Буччи.
Кто автор урока?
Напомним, Марко Буччи — это известный художник-иллюстратор и преподаватель живописи из Канады. За 15 лет профессиональной деятельности Марко успел поработать с издательством Walt Disney Publishing Worldwide, производителями игрушек LEGO, Hasbro, Mattel Toys и Fisher-Price, разработчиком игр LucasArts, а также мультипликационными студиями Nelvana, GURU Studio, C.O.R.E. Digital Pictures и Yowza! Animation.
В качестве преподавателя Марко сотрудничал с Академией искусств Сан-Франциско, Колледжем Сентенниал в Торонто и другими учебными заведениями.