Урок Matte Painting: создание иллюстрации
Продолжаем переводить для вас серию уроков по Matte Painting! На этот раз урок от художника Waldemar van Deurse, по созданию зимнего мейта.
Приветствую! Меня зовут Вальдемар ван Дерс. Я живу в Польше, а если точнее, то в небольшом городке под названием Жешув. Почти что 9 лет я работал графическим дизайнером в разных креативных агентствах Польши. Сейчас работаю в качестве UI дизайнера на различные компании по всему миру. Из-за своего значительного возраста, который близок к пенсионному ;D (30), я решил использовать все свои навыки и сфокусироваться на Matte Painting, чтобы пробиться в киноиндустрию.
Обзор
Хорошо… Давайте приступим к работе!
Поскольку я дилетант в Matte Painting, самой сложной задачей для меня стала передача глубины и пространства на изображении, которое на 90% состоит из снега. Если бы я заранее не подготовил несколько фотографий, —таких, где передана глубина на заснеженных горах — то, наверное, не смог бы достичь такого реалистичного эффекта на итоговом изображении. Итак, рекомендую всегда создавать реф-листы, прежде чем начинать какую-либо работу.
За работой я проводил около 3-4 часов в день (после полноценного рабочего дня в офисе). Помимо фотографий я добавил 3D-сферу из zBrush, используя плагин «Greeble».
Совет:
Все Matte Paint-художники или концепт-художники, на которых я когда-либо был подписан, говорили, что если вы хотите создать реалистичное изображение, то нужно найти лучшие из возможных фотографий, которые и помогут придать изображению реализма.
Руководство
Итак, давайте взглянем на небольшую статью, которую я подготовил. Постараюсь вам все объяснить на примерах, взятых из процесса работы над «Артефактом».
Часть 1 - Концепция и история.
Как вы видите на изображении ниже, мои художественные навыки не слишком высоки :D. Но даже этого хватает для того, чтобы вычерпать нужную информацию о композиции, глубине, точках интереса и освещении. Еще мне хотелось добавить 3D-объект, поэтому было решено не наполнять сцену большим количеством сложных элементов. Я хотел сделать картинку простой и понятной.
На самом деле не важно, насколько ужасно выглядит ваш скетч, ведь он нужен только в качестве основы для дальнейшего развития идеи.
Развитие идеи и композиции рисунка
Часть 2 - Референсы
Далее я начал процесс фотобаша с поиска фотографий в интернете с заснеженными горами на горизонте и эпичным освещением. Как я и говорил ранее, вы просто обязаны отыскать рабочие фотографии перед стартом, они сильно помогут. Не пропускайте этот этап!!
Теперь, когда моя коллекция фотографий готова, я могу приступить к настоящей работе.
Некоторые из изображений, взятых с сайта
Часть 3 - Делаем правильный дальний план
Я верю, что лучше всего начинать работу с дальнего плана и постепенно выходить на передний. Так у вас получится создать надежную основу, на которую можно будет в дальнейшем добавлять детали на передний план.
Как видно на примере ниже, я решил изменить несколько деталей: таких как облака и голубое небо. Мне не хотелось, чтобы мои эксперименты мешали всей сцене. Запомните, мы никогда не хотим “терять” детали! Крайне важно, чтобы детали были настолько заметными, насколько это возможно, поэтому не стоит накладывать их поверх всех пустых участков.
Сверху - оригинальная фотография, снизу - задний фон, получившийся в результате небольших манипуляций с небом и облаками
Для этих облаков и неба я использовал другую фотографию из выбранного пака и приклеил ее к фону. Тут видно, что я немного дорисовал их вручную. Подбор неба иногда отнимает очень много времени, но, к счастью, в этом случае все используемые фотографии были сделаны в одном месте, отчего у меня не было проблем с тем, чтобы подогнать их по размеру.
Если вы используете очень разные изображения, я рекомендую использовать “Levels” или “Curves” для настройки яркости, а после — воспользоваться регулировкой “Color balance” для изменения цветовой палитры. Это сложно и займет какое-то время, но вы овладеете этим приемом в процессе.
Совет:
Если есть такая возможность, то лучше всего использовать изображения из целой серии (набора) фотографий, ведь это облегчит их подгонку и вы запросто сможете соединить их на рисунке. Позже, в процессе работы вы сможете использовать и другие изображения, но вам обязательно пригодится хороший фундамент.
Часть 4 - Работа “от фона”
Теперь, когда у нас есть хороший фундамент, мы можем начать работать над передним планом.
Я выбрал фотографии с одинаковым освещением и перспективой. Не сходите с ума, стараясь идеально наложить слой маски и градиент, просто используйте инструмент «lasso» и быстро вырезайте слои, чтобы посмотреть, соответствуют ли эти элементы сцене. Если все в порядке, вы можете начать “очищать” и редактировать края фотографий. Не забудьте сосредоточить внимание на крошечных деталях по краям — они придадут реализма и будут играть вам на руку, если вы потратите на них больше времени. Если у вас есть хороший контраст между объектами (на моем изображении речь идет о контрасте между горой и небом), вы можете легко использовать каналы в Photoshop, чтобы вырезать лишнюю часть фотографии (см. Изображение ниже).
Для этого нужно создать новый слой, продублировав один цвет из панели с цветовыми каналами. Вы можете выбрать между красным, синим и зеленым каналами. Лучше всего использовать самый контрастный канал — в моем случае выбор пал на синий. Теперь создаем черно-белые маски (используя “Levels”), которые помогут быстро отделить детали на фотографии. Позже вы можете легко создать выделение с помощью этого слоя, удерживая CTRL и кликнув на миниатюру этого нового слоя.
Слева - продублированный синий канал, справа - финальная маска из продублированного слоя
Следующий шаг — подгонять элементы по всей сцене, фокусируясь на бликах, средних тонах и тени. Мне нравится использовать “Levels” в фотошопе, но многие художники отдают предпочтение “Curves”. Вы должны просто играться с настройками, перескакивая с красного на зеленый, с зеленого на синий, пока не будете в полной мере довольны результатом. Опять же, вы можете использовать настройку кривых и другие параметры, если хотите. Мне просто наиболее комфортно вести работу с уровнями.
Используйте уровни или кривые, чтобы настроить цвет и интенсивность
Совет:
Запомните! По мере того, как ваши слои приближаются к переднему плану, они должны становиться контрастнее и содержать больше деталей!
Часть 5 — История
Здесь я решил перекрыть всю композицию и добавить интересную историю, используя 3D-объект (из zBrush). Я отрендерил его в Keyshot (это программное обеспечение очень просто в использовании и результат рендера выходит довольно классным!). Я настоятельно рекомендую вам взглянуть на него, потому что это, пожалуй, самый простой 3D-инструмент для освещения и рендера.
Слева — сфера, сделанная в Zbrush (использован плагин Greeble), справа -первоначальное размещение на сцене
Как только объект был готов, я смог поместить его на свое изображение и замаскировать нижнюю часть, чтобы она выглядела заснеженной. Затем я снова вернулся к настройке “Color balance” и “Curves” для изменения цвета. Я решил вручную нарисовать дополнительный снег на одной стороне объекта, чтобы он смотрелся более гармонично со сценой.
Часть 6 — Финальные штрихи
У меня было мало времени, чтобы отполировать некоторые области и добавить более интересные элементы в композицию до крайнего срока сдачи, но я думаю, что лаконичность это хорошо, и еще лучше — сдавать законченный результат в срок! Я добавил несколько теней на чужеродный «Артефакт», чтобы показать направление света. Не забывайте сделать несколько цветовых поправок в тенях, бликах и средних тонах. Как только я закончил, то понял, что трудно судить о масштабах сцены, поэтому решил добавить маленького персонажа, чтобы изображение выглядело более эпическим. Некоторые простые исправления, подобные этим, способны сделать изображение намного лучше!
Сейчас, когда я смотрю на работу в целом, я, действительно, доволен результатом. Но иногда бывает такое чувство (которое известно всем), что я думаю: “Черт! Мне нужно исправить это или вот это… Может, вообще стоит переделать все, и только тогда картинка получится лучше… Может быть лучше удалить этот отстой…”
У всех появляется такое чувство, когда они смотрят на старую работу, но это хорошо. Это значит, вы прокачались с тех пор, как начали работать! Итак…
Запомните → Объем, а не совершенство!
Об этом говорил Эндрю Райс на лекции “7 навыков высокоэффективных художников”. Я рекомендую вам посмотреть это видео, потому что оно очень-очень хорошее и длится всего 30 минут!
Если у вас остались какие-нибудь вопросы - не стесняйтесь писать мне в социальных сетях и на Artstation. Я постараюсь вам помочь!
Всего наилучшего! Вальдемар ван Дерс.
***
Хотите узнать новый пайплайн по созданию окружения — записывайтесь на курс по окружению школы CG LAB.
А также подписывайтесь на наш обучающий паблик — здесь много уроков и статей про художников, специализирующихся именно на окружении.
Спасибо за внимание!
Перевод подготовила Вета Соболева специально для школы CG LAB. Редакторы — Олеся Тивуэль и Лина Сидорова.
Другие статьи:
Пайплан художника Etienne Hebinger при создании иллюстрации «Mountain Shelter»