Making Of "Потерянный меч"

Всем привет! Меня зовут Виктор Олейников, я 2д художник и свою первую работу я нарисовал обычной шариковой ручкой на обоях в родительской спальне в 3 года и с тех пор это хобби является неотъемлемой частью моей жизни. Художественного образования у меня нет, но нельзя сказать, что я ни у кого и нигде не учился.

Сколько себя помню, всегда рисовал для себя и в своё удовольствие, даже к фрилансу относился очень избирательно и соглашался только на то, что мне нравилось (но профессиональный опыт в гейм-деве, всё же есть). После армии я занимался аэрографией, потом был пожарным и рисовал заказы по фрилансу на работе (благо, что у пожарных куча свободного рабочего времени), потом был свой небольшой отдел спортивного питания и я рисовал заказы сидя за кассой, потом ушел в мебель на заказ.

Чуть меньше двух лет назад я принял решение уйти из мебельного дела и превратить своё хобби в профессию. Начал искать профильные курсы и остановился на NewArtSchool. Выбрал курс с подходящей программой и на три месяца окунулся в учёбу. Самое главное, чего мне не хватало на тот момент, помимо всего прочего, это универсальный рабочий пайплайн, и другие тонкости, которые можно будет применить к любому игровому арту. В основном об этом и пойдёт речь далее. Стоит отметить, что именно эту работу я рисовал параллельно с другими курсовыми работами, закрепляя на ней все новые знания. И так, начнём.

Как всегда, начинается всё с идеи и поиска. Так как четкой задачи по композиции и сеттингу не стояло, я начал рисовать просто то, что первое приходило в голову, выкладывая на холст идею за идеей. На девятом наброске пришлось себя остановить, потому как процесс начал подозрительно затягивать)) Тут хочется отметить один интересный момент, набросок, который я выбрал для дальнейшей работы, был далеко не первый из всех. До этого я практически никогда не разминался перед началом работы, цепляясь за первое, что придёт в голову, делал набросок и уже в него вносил правки, но теперь работа протекает только так – сначала набросок, потом еще один, и еще штук 5-7, и только потом начинаем выбирать наиболее привлекательную композицию, в которой уже чувствуется история, которую можно будет развить или усилить впоследствии.

К чему я это? Набросок для будущей иллюстрации это не просто почеркушки. Много чего нужно постараться заложить еще на этой стадии, начиная от взаимодействия главных и второстепенных объектов, заканчивая смыслом и логикой. Меч, воткнутый в землю – скуучно, могила викинга – банально, наковальня на пне – вообще промолчу ))) Идёшь себе по лесу и находишь целый, хоть и не совсем невредимый меч – хмм, можно представить кучу историй о том, как он там оказался, где его ножны и почему он еще не ржавый… Мозг не любит «тёмных» пятен в истории и начинает решать загадку, фантазия начинает бурлить и выдавать варианты один – за другим, а нам именно это и нужно. Оставляем себе этот скетч и идём дальше :)

Далее, хватаем «палитру» и начинаем красить. СУПЕР ВАЖНО подобрать тон и цвета так, чтобы основные массы в композиции не слипались и визуально хорошо считывались. Не забываем про настроение. Можно и даже желательно поискать референсы по цвету и атмосфере.

Проверять читаемость желательно так: создаём новый слой поверх всех остальных и заливаем его любым чистым серым, белым или черным цветом и переводим его в режим наложения Color. Теперь этот слой с нами будет до самого конца работы, такой мало используемый, но такой нужный...
Есть и другие способы проверки тональности, но после небольших исследований я пришел к выводу, что именно этот способ перевода картинки в ЧБ самый эффективный и правильный.

Практически на каждом из этапов есть свои тонкости и следующий не исключение. Чтобы сделать силуэты еще более читаемыми и заложить больше цветового разнообразия, чтобы работа была более живописной и приятной глазу, можно взять близкие друг-другу цвета и сделать растяжки по силуэту, разница должна быть не большой, но заметной (так-же не забываем про центр композиции и правила контраста). Я отрисовал каждый силуэт пером, расположив их на отдельных слоях и заблокировал каждый. Это позволяет нам работать внутри выбранного силуэта, не беспокоясь о том, что можно случайно выйти за границы.

Нюанс – Рисовать важные силуэты в фотошопе лучше именно пером, потому что оно даёт гладкость и плавность границы без грубой лесенки из пикселей, которые обязательно появляются, если рисовать даже жесткой кистью, плюс к этому, вектор можно поправить в любой момент. А потом можно перевести векторную фигуру в растр и уже рисовать внутри. Лассо используется тоже, но на менее важных объектах и с особой настройкой – нужно faether (размытие границы) выставить на 0.2px, тогда его граница не будет так жестко пикселить.

Силуэты пока оставим в таком виде. Все объекты хорошо читаются и даже есть объём за счёт перекрытия силуэтов и цветового разнообразия, хоть и картинка пока плоская. Следующий этап будет посвящен свету и «тьме». Раньше я этому не придавал столько значения и почему-то даже в голову не приходило, НО, падающие и собственные тени являются частью композиции и неправильно расположенный источник света может всё сильно испортить.

Включаем воображение и, глядя на свою картинку рассчитываем, где же падающие тени будут лежать более выгодно для композиции, не перекрывая собой нужные для передачи объёма объекты. Представили? А теперь делаем небольшую схему на отдельном слое, которая покажет нам все наиболее важные плоскости, что будут участвовать в передаче светотени.

Выглядит это примерно вот так:

На картинке будет день, хочется передать уют, поэтому я выбрал тёплые тени.

Рисую их на отдельном слое светлым тёплым цветом в режиме Multiply с непрозрачностью 100%, далее по такому-же принципу как и с тенями, добавляем Ambient Occlusion. Чем ближе поверхности друг к другу (в тенях) – тем сильнее «тьма сгущается» и картинка получает +100500 к объёму и реалистичности (главное – не перечернить), не смотря даже на всю свою казуальность))

На этом этапе можно немного выдохнуть и отвлечься, чтобы «освежить» взгляд. Каждый раз, после небольшого перерыва я замечаю, что можно добавить или убрать, в каком месте перестарался или наоборот не дотянул. После перерыва я поправил некоторые формы, немного разнообразил скучное окружение и начал работу над светом и текстурами. Про свет тут много и не расскажешь, ведь само наличие теней уже подразумевает источник света, тут остаётся только немного уточнить плоскости предметов, на которые он попадает, не забывая про центр композиции, контрасты и конечно же сами материалы с их отражающими способностями.

Тут можно заметить, что я уже начал набрасывать текстуру на деревяшку под мечом, а новые листья нарисовались сами. Уже с текстурой и, да, вон та веточка, что застряла в коре на заднем плане, на самом деле всегда там была, просто в виде идеи, а теперь я её там материализовал :).

Следующий шаг – это подбор и изучение референсов на предмет текстур. Иду в поисковик и забираю себе нужные примеры. Начинаю покрывать картинку текстурами, сантиметр за сантиметром, с перерывами на сон, еду и приседания (между прочим очень важная штука для художника– эти разминки и приседания ).

«Далее следует примерно такой внутренний диалог»:
Закончил? Точно? А теперь представь, что ты заказчик, или арт-лид, наконец и дай сам себе фидбэк. Всё нравится? Ничего не смущает? ТОЧНО? Ну, ок, похвали себя за работу (лиды и заказчики так всегда делают), съешь шоколадку и садись рисовать дальше, потому, что дальше ты будешь наполнять работу нарративом, вдыхать в неё жизнь и исправления будут стоить слишком дорого…

После перебора вариантов того, как именно Его Величество Лес мог освоить эту бесполезную блестяшку, я подумал, что для молодых грызунов это будет прекрасное место для свидания. Такие молодые, такие стеснительные, ну разве не милота? Вспомнили себя? Вот и я про то-же)). Теперь картинка ожила сама по себе.

Смотрю, что получается:
А получается, что работа вышла довольно эмоциональной, доброй, и в то же время немного загадочной. Осталось финализировать её и можно людям показывать, собирая в памяти образы умилительных лиц зрителей ))).
Решил, что не хватает пространства и окружения, но, чтобы совсем не отвлекать зрителя от сюжета, оставил фону только намёк на лес. Потом, чисто технический момент: создаю новый слой, перевожу его в режим Color Dodge, выбираю почти белый, но тёплый оттенок и мягкой, почти прозрачной кистью начинаю очень аккуратно накладывать его там, где хочу остановить внимание зрителя, как-бы, «вытаскивая» объекты в зону внимания (важно не трогать при этом сами тени, иначе контрасты можно испортить). И, остался последний маленький шаг – нужно добавить больше объёма всей работе. Главное «подсветил», а теперь нужно второстепенное увести из зоны внимания. Делать это можно разными способами, можно через обесцвечивание, можно через блюр или затенение.

Можно эти способы комбинировать, но для этой работы я решил оставить такой простой способ (причем на самом курсе именно о нем и шла речь) — всё просто – достаю из фотошопа новый слой, с режимом multiply, выбираю холодный оттенок и обычной большой мягкой кистью, увожу в лёгкое затенение края работы и второстепенные части (не затрагивая те места в центре композиции, куда попадают прямые лучи света). Помните? За контрастами нужен глаз да глаз)).

Кстати, кто заметил как в процессе белый фон картинки превратился в очень тёмный? Это потому, что белый фон сильно влияет на объём, как-бы вытягивая из картинки свет и делая сам цвет более блёклым.

Теперь самый последний, маленький, но очень важный этап:

Снова меняю личность и глазами лида смотрю на работу еще раз… «Хмм… Важное проявил, второстепенное приглушил. Пространство и планы – вроде тоже хорошо. Текстуры, объёмы, цвет, конструкции (ну мало ли).» По чек-листу вроде всё готово, осталось на суд общественности показать, а самое главное – что мне самому нравится и результатом доволен

Итог: Я и раньше то кайфовал от рисования, но теперь – это новый уровень! NewArtSchool конечно отдельная благодарность. Пайплайн и правда оказался супер универсальным! Ну и всем, кто дочитал до этого момента – тоже большое спасибо и находите меня в ВК. Будем дружить. Fin.