10 заметок о…как узнать, что картина закончена.
Это не так легко, но этому можно научится. Вот так. А теперь можете не читать оставшуюся часть статьи, потому что это и был ответ на вопрос из заголовка статьи. Не верите мне? Тогда читайте до конца.
Я слышу это снова и снова. Студенты постоянно задают мне этот вопрос, как и я сам, когда был на их месте много лет назад. Как преподающий профессиональный художник, мне трудно найти на этот вопрос простой и прямой ответ. Я слышал много разных ответов на него, но мне кажется, что они слишком сильно упрощают суть проблемы.
«Вы узнаете, что картина закончена тогда, когда не останется ничего, что можно будет в неё добавить». Держите меня семеро! Звучит круто, словно ответ столетнего мудреца! Но совсем не помогает.
Просто подумайте: а что, если вам нужно что-то убрать из вашей картины? Достаточно кардинальное изменение – фигуру персонажа, дерево или небо, или…И что если после этого вам нужно будет перекомпоновать композицию, перед тем как вы сможете назвать свою картину законченной?
Давайте сделаем шаг вперёд и предположим, что после наших изменений, всё получилось, как надо и композиция теперь работает так как мы и задумывали. В дело вступает техника исполнения, так как общая композиция уже готова. Именно это и хотят понять начинающие художники: когда я узнаю, что моя техника достигла своего лучшего представления. Когда я узнаю, что это предел моей техники и дальше она уже не вывезет?
Если говорить просто, то вы узнаете, что ваша картина готова…лишь закончив до этого множество других картин.
Ниже я привёл основные идеи, которые помогут вам прояснить для себя этот вопрос. Я разделил их на простые аспекты. Я постоянно держу их у себя в уме, когда рисую. Неопытный художник, в этом вопросе, руководствуется инстинктивными побуждениями, своими впечатлениями и ощущениями, а опытные художники, с большим количеством нарисованных картин и годами практики, делают это интуитивно и естественно. Если вы будете постоянно держать в уме эти аспекты, каждый раз, когда вы рассматриваете свою картину, то очень скоро они войдут для вас в привычку и вам не придётся так сильно себя напрягать.
Просто задумайтесь – каждую картину можно переделывать бесконечное число раз. Можно вносить небольшие, едва заметные изменения, а можно менять её кардинально; её можно изменять и изменять. Именно это и отражает известная многим фраза, что «картины не заканчивают, их забрасывают». Хотя может это и не слишком правильное слово. И опять, звучит это слишком заумно.
По большей части, картины просто достигают состояния, когда художник говорит: «Она готова». Хотя другой художник, глядя на неё, может сказать, что картина ещё не готова, и что надо её ещё дорабатывать. Не важно. Ваши самые большие и лучшие усилия должны завершиться готовой картиной, вы просто говорите, что она готова. Затем делаете следующую картину.
Если говорить просто, вы узнаете, что ваша картина готова…лишь закончив до этого множество других картин.
Ну а теперь, давайте вернёмся немного назад и дадим ответы на наши вопросы. Только будьте честны с самим собой.
Я определился с идеей?
Что у меня за сюжет, в чём смысл, что я пытаюсь сказать? Идея не может быть в наличии «самой идеи». Она должна доноситься до зрителя элементами в вашей картине и тем, как они расположены в композиции картины, это первый вопрос. Разные элементы дают разную идею. Расположили их по-другому, и идея изменилась. Вернитесь назад и спросите себя, что я хотел сделать? Вы конечно же, навряд ли получите ответы на все свои вопросы. Но получите ответ на тот вопрос, что задали. Вопросы и ответы целиком зависят от вас самих, никто другой на них не сможет дать вам ответ.
Если вы получите ответ, который соответствует вашим пожеланиям, то ваша картина найдёт своих зрителей.
Поймёт ли зритель, что я пытаюсь сказать?
Сможет ли зритель понять, что изображено, вот в чём вопрос. Если элементы в картине сбивают с толку, то и восприятие будет неправильным. Старайтесь быть проще, даже если изображаете сложный сюжет. Простота и прямота, это тот двигатель, что зажигает интерес. Многие художники думают, что чтобы их картину принимали всерьёз, она обязательно должна быть сложной и многогранной, с кучей смыслов.
Самые лучшие и известные всем образы это те, что были изначально созданы чёткими, понятными и с простым впечатлением. Именно это из раза в раз привлекает к ним зрителей.
Направляет ли зрителя моя композиция?
На что направлен фокус в картине, есть ли в ней выделяющийся элемент? Что самое главное в картине? Персонаж? Пейзаж или сюжет? Лицо? Всё должно подчиняться фокальной точке. Фокальная точка обычно привлекает внимание через контраст. Острые линии против мягких линий; тёмные формы против светлых форм; яркий насыщенный цвет против тусклого и блеклого.
Создал ли я интерес через визуальный путь?
Что такое действие, движение? Если картина изображает активное действие, то выглядит ли оно правдоподобно? Внимательно изучите места, где силуэты форм чётко выделяются. Другими словами, можете ли вы на самом деле видеть форму лошади, дракона, за формой всадника, викинга или рыцаря. Если вы при взгляде на свою картину испытываете в этом сомнение, то и зритель будет чувствовать тоже самое.
Вы должны понять: то, что чувствуете вы при взгляде на свою картину, тоже самое будет чувствовать и зритель. Это очень сложно и трудно, потому что у каждого из нас свой жизненный опыт и рисуем мы все разные вещи. Но всегда в первую очередь доверяйте своим чувствам. Не надо пытаться угадать будущие чувства зрителя.
Есть ли глубина?
Есть несколько методов по созданию иллюзии глубины в картине.
Глубина очень важна, потому что она помогает верно передать сюжет или момент времени в картине. И она будет одной в комиксах, манге или графических новеллах и совсем другой в реалистичных картинах. Есть ли у вас в картине разница по тону - не важно при этом как близко два тона могут находятся друг к другу. Есть ли в вашей картине разные по масштабу объекты – большое и малое вместе они создают иллюзию глубины. Вы используете только белый цвет для изменения тона цвета? Вы используете белый, для изменения тона вторичных и третичных цветов? Цветовая же глубина создаётся контрастом тёплого и холодного цвета.
Если вы не понимаете разницу в температуре цвета, то не беспокойтесь. Я тоже не понимаю. Я конечно могу сразу сказать какой цвет тёплый, а какой холодный. Никаких проблем. Но я потратил годы на то, чтобы научиться правильно контролировать температуру цвета в картине.
Убедительно ли я передал время суток, утро это или вечер?
Соответствует ли цвет выбранному освещению? Солнечный цвет может изменить локальный цвет объектов в зависимости от положения Солнца на небосводе (холодный свет, когда солнце в зените, более тёплый, когда солнце клонится к закату или наоборот встаёт). Просто взгляните на цвет облаков в разное время суток и определите температуры белых поверхностей, обращённых лицевой стороной к солнцу, и вы заметите разницу.
По той же схеме вы можете сравнивать и разницу между естественным и искусственным освещением. Если вы делаете снимок модели в студии, а затем захотите использовать его в композиции вне помещения, то вам придётся вносить коррективы по температуре и свету. Тоже самое, когда вы собираетесь использовать снимки объектов, сделанные вне помещения, для сцены, происходящей внутри помещения. Если использовать их без коррекции, то разница будет сразу заметна зрителю.
Достаточно ли деталей в нужный местах и есть ли области свободные от детализации?
Достаточно ли хорошо прорисована область, на которую я хочу обратить внимание зрителя? Если вы рисуете в реалистичной манере, то вы должны решить, или вы пытаетесь как можно точнее передать видимую реальность или вы будете искажать реальность так, чтобы при этом рисунок выглядел реалистично. Каждый раз, когда вы решаете, изобразить что-либо реалистично, то будете обнаруживать с удивлением для себя, что вам недостает деталей в разных объектах. Советую вам сравнить свою работу с работами мастеров в этом направлении. Вот вам два примера: изучите работы Сэма Вебера (SamWeber) и Грега Рута (GregRuth). А потом можете рассказать мне о деталях в картине.
Есть ли у меня гладкие/ грубые/ скруглённые/ заострённые/ графические/ полированные поверхности?
Это все те поверхности, что я хочу видеть в своей картине? Они со всем старанием прорисованы гладкими или же они показаны широкими небрежными мазками? Это сложный выбор. Многие художники, глядя на свои работы, думают, что раз уж они потратили на них так много времени, то им удалось передать реальность. Не совсем верно. Труд не имеет с этим ничего общего. Важно лишь то насколько правдоподобно проработана и прорисована поверхность и не важно сделано это за 3 минуты или 3 месяца. Вы как художник должны смотреть и смотреть, делать штудии и развивать своё понимание разных типов текстур и поверхностей.
Если вам кажется, что вы уже не можете ничего добавить к уже проработанной поверхности, тогда вам ещё рано останавливаться. Всё таки есть. Звучит словно всё должно быть наоборот. Но это правда.
Удалось ли мне передать чувство правдоподобности?
Выглядит ли ваша работа достаточно реалистично, чтобы зритель мог разобрать формы и насладиться её содержанием? И снова начните с себя. Если ваша работа нравится вам самим, то значит вы близко подошли к тому чтобы её закончить, но не обязательно «прямо сейчас». Повторюсь – вы можете потратить годы прорисовывая и подправляя свою картину. Учитесь сравнивать то к чему вы стремитесь, с тем что вы хотите.
Если вам кажется, что вы уже не можете ничего добавить к уже проработанной поверхности, тогда вам ещё рано останавливаться. Всё таки есть. Звучит словно всё должно быть наоборот. Но это правда. Если вам кажется, что вы сделали всё возможное и это ваш предел, то вы просто не видите очевидного факта: любая поверхность может быть отрисована снова и снова, потому что любую поверхность можно изменить так, что она будет выглядеть совсем по-другому и таких вариантов бесчисленное множество. Если говорить просто, то вы просто устали прорисовывать.
Если вам кажется, что вы можете сделать больше в плане прорисовки, но решили остановится на текущем состоянии, то знайте, что вы совсем близко, если не уже на финишной прямой. Когда вы принимаете решение остановиться, то вы можете назвать свою картину – законченной. Не важно, в каком жанре вы рисуете, любую вашу картину при желании можно продолжить, если вы понимаете, что дальнейшие усилия смогут изменить саму идею картины. А теперь вернитесь к первому пункту их списка: определился ли я с идеей. Идея вашей картины будет меняться и развиваться до тех пор, пока вы продолжаете работать над картиной.
В плане проработки картины нельзя зайти слишком далеко, можно лишь сделать слишком много. Понимайте разницу между этими двумя состояниями. А её вы поймёте, когда нарисуете много картин.
Звучит как пустая отговорока? Ну простите, другого ответа у меня для вас нет.
Как я сверяюсь с изначальном видением своей картины в своём воображении?
Соответствует ли моя картина тому образу, что я представлял себе в своём воображении – хороший вопрос для художника. И всегда им будет. Всегда держите это видение у себя в уме, то самое первое видение, что возникло у вас, когда вы захотели нарисовать данную картину. Не сдавайтесь картине, не надо позволять картине решать за вас как она должна выглядеть, это ваша работа и ваш труд. Это ваши трудности, которые вам нужно преодолеть.
Труд, не состоит в самом процессе рисования. Труд состоит том, чтобы учиться и наслаждаться самим процессом рисования. Работа и преодоление трудностей в рисовании, состоят в том, чтобы не допускать никаких компромиссов в вашем видении картины.
Для меня, как и многих других художников, что долго и тяжело учились своему ремеслу – нам приходиться заново учиться тому, как наслаждаться рисованием. Вы со временем тоже дойдете до этого момента.
